ポートレート写真のプロ河野英喜に聞く2：
ポートレート写真プリントの技

河野さんは、撮影の段階で色も露出も仕上げています。

ちなみに、カメラの設定はMモード（マニュアル露出）で、WBは5000Kにセット、ISO感度はシーンに応じて調整、というスタイルです。

設定だけを見ると、「モデルを追いながら絞りとシャッター速度とISO感度を調整するなんて、すごく大変そう」と考えがちですが、そんなことはありません。

撮影の流れを紹介しておくと、撮影ポイントを決めたら、モデルに立ってもらい、テスト撮影で露出を決めます。ここでイメージするボケや露出にセットできたら、本番はモデルの動きに合わせてシャッターを切るだけ。構図も露出も色も、テスト撮影の段階ですでに決まっているというわけです。

撮影時に色を仕上げる理由は2つ。撮影後の処理の簡略化と情報の共有です。

これまで紹介してきた写真家さんも、多くが撮影時に色を仕上げるタイプです。その主な理由は、撮影後の処理を省いて「撮影→プリント作品」の距離を近づけることでしたが、河野さんの場合は、「情報の共有」という一面を重視している点が大きく異なります。

作品を作るにはモデルの協力が必須→そのためにはどのように写すのか作画意図を伝えなければならない→撮影の段階で仕上げる必要がある、ということです。

要するに、撮ったらその場でモデルに見せて、「こんな風にするよ」と意図を正しく伝える手段にしているわけです。

結果的に、プリント前の調整作業はほとんどやることがありません。今回はAdobe® Lightroom® からプリントを行っていますが、Lightroom® は単にプリントソフトとして使っているに過ぎず、色調整は一切せずに作品をプリントしました。

使用したプリンターは、ブルーやオレンジの顔料インクを搭載した、A3ノビ対応モデル「SC-PX7VII」です。実は河野さん、ブルーインクの発色のよさを活かした作品を作りたくて、現場ではいろいろな「青」に着目していたとのこと。

参加者の大瀧さんは、作品を作るためのプリンターを探しているとのことで、プリントだけでなくプリンターそのものにも興味を示します。そんな大瀧さんを見て、河野さんが購入を後押し。

RAW現像やレタッチを行わないため、プリント作業はスピーディー。写真をセレクトしたら、あとは一気にプリントを実行するだけです。

次々と出力されるプリントを眺めていた大瀧さんですが、自分の作品が出てくると思わず手に取り、食い入るように眺めます。じっと、無言で。その眼差しは真剣そのもの。

いつの間にかユリーカさんもプリントの前に集まり、写真談義が始まりました。撮影の現場でもカメラのモニターで写真を確認していたし、セレクトの際もパソコンの画面で写真を見ていた3人ですが、「プリント」と「データ」とでは気持ちの入り方が異なる様子。

パソコンの画面では淡々と写真を見ていた3人も、プリントという「実体」を前にすると笑みがこぼれます。撮影の思い出話に花が咲きます。「あのシーンは～」「この場所は～」「ここ寒かった」と。

写真家にとって、プリントは作品であることは確かです。でも、コミュニケーションツールとしての役目もあります。だって、いい歳をした大人がパソコンの前に雁首を揃えて、談笑しながら写真を語り合うなんてこと、よほどじゃないとできません。でも、机にプリントを並べれば、自然とそうなるんです。

きっかけは、ユリーカさんが手に取った写真でした。それは、漁村の路地を深く進んだ、寂れた小屋の前（前半参照）で写したカットです。

力強い表情を引き立てるように、微妙に色がにじみ出たモノトーン風のグラデーションが印象的な作品で、ユリーカさんが「マイベスト」と称賛したプリントです。

確かに河野さんは、修善寺でも漁村でも集落でも、朽ちた壁や塀があると足を止め、吟味している節がありました。あれは、背景にするものの見当をつけていたということです。

中でも、トタンは絶妙なグラデーションが出せるよい背景素材だと河野さんは語ります。

ユリーカさんが命名。件のプリントは持ち帰るのだと手元にキープしています。

分野を問わず、「魔術師」の二つ名をもつプロフェッショナルはたくさん存在します。「ピアノの魔術師　フランツ・リスト」とか、「視覚の魔術師　マウリッツ・コルネリス・エッシャー」とか、「不敗の魔術師　ヤン・ウェンリー」とか。「光の魔術師」や「色彩の魔術師」などは複数のプロフェッショナルがもつ異名ですが、「トタンの魔術師」はおそらくオンリーワン。

生活感の溢れる町の中には、トタンだけでなく、背景向きの素材がたくさんあります。それを上手く活かせれば、たとえ自宅の前でも作品は撮れるのだと、河野さんは教えてくれました。

「SC-PX7VII」は「ブルー」や「レッド」、「オレンジ」の高精彩なインクを搭載した機種です。通常のプリンターでは、青は「シアン」と「マゼンタ」を掛け合わせて作りますが、「ブルー」のインクがあるおかげで濁りのない青も再現しやすいという特徴があります。

河野さんは、撮影の段階からこの特性に目をつけていました。

網のうねりが色むらになっていて、錆びたトタン同様に、背景紙のような濃淡のあるグラデーションが描かれています。河野さんの言葉どおり、少し明るめに写された透明感のある肌にブルーの相性はとてもよく、クールでスタイリッシュ。

このプリントが出てきたとき、スタッフ陣も取材を忘れ、思わず覗き込んだほど。それほどにブルーのインパクトは強烈でした。

でも、撮影の現場はというと、下のような「なぜここで？」というシーン。言葉は悪いのですが、うらぶれた路地で、収穫も終わり放置された家庭菜園の前、のような場所です。

今回の取材ではレフ板を使うことは少なかったのですが、このシーンは念入りにポジションを決め、レフを当て、と手間をかけていました。なので、とりあえず状況を写しておいたのですが、まさかここで作品を撮っていただなんて……。

河野さんは「青探し」をしていましたが、「SC-PX7VII」は「レッド」インクも搭載しています。つまり、「赤探し」もまた楽しめるということ。

今どき、きれいなプリントが作れるのは当たり前。さらに「個性を活かしたプリント」となると、インクの力や撮影時のイメージ作りが大切になるということです。

「SC-PX7VII」の特徴でもある「ブルー」インクを活かした写真の話になり、取材もいい感じで着地。あとは、メインビジュアルを撮って終わり、というタイミングでした。河野さんの作品を眺めていた大瀧さんが、ポツリとつぶやきます。

河野さんが、「気づいたね！」という目を見せました。

それは、枯れ枝の下で撮影した写真です。実はこのシーン、あぜ道を活かした写真を撮るべく大瀧さんの要望で撮影に臨んだポイントです。そんな経緯があるだけに、大瀧さんとしては“研究”せずにはいられなかったのでしょう。

河野さんは、5点のカットをプリントしていました。

写し方としては、前半でも解説してくれたとおり、「ボケの背景と顔の周りの＋α」で立体感を表現する手法です。加えて一連の写真では、ユリーカさんの手前に大きくぼけた枝が微かに見えていて、さらなる立体感のある描写になっていました。

プリントで見ると、その効果はとても大きい。でも、河野さんがこれらの写真で伝えたい狙いは、そこではないといいます。

「あぜ道」とユリーカさんのイメージを重ねたとき、「理由があって田舎に帰ってきた人みたい」という感じを抱いてこのシーンを撮影したといいます。構成上は、あぜ道を真ん中に入れて撮ると間延びするため、入れたり外したりしているそうです。でも、どれを選ぶかは「見せ方次第」とのこと。

つまりは、あぜ道の有無で写真を見る人の心象が変わるから、それを汲もうね、ということです。そして5点の写真は距離感も変え、ワンシーンで異なる心象を受ける複数の作品を作ってくれていました。

もちろん、撮影の最中はそんな仕掛けをしていたなどとは露ほども知らず。てっきり、枝があるから撮っているものと思ってました。

でも、河野さん的には「あぜ道」こそ重要な要素で、それを活かすべく＋αの何かを探し、枝に行きついたのだと。

撮られる側のユリーカさんと情報を共有せずに撮っていたということは、やはりプリントのときに種明かしをしようと画策していたに違いありません。

こんな感じで、河野さんはちょいちょい仕掛けや伏線を張り、楽しませてくれます。だからこそモデルとも良好な関係を保ち、よい表情が引き出せるのでしょう。

今回の取材は、前半、後半ともに盛りだくさんの内容です。記事にした内容以外にも、河野さんはいろいろなことを語り、撮影ポイントを案内してくれました。

でも、河野さんが一貫してこだわっていたのは「モデルとの関係」です。撮影後も互いに笑っていられる間柄でありたい、といいます。

モデルとよい関係を築くには、やはり「馴染むための時間」が必要です。

そして、改めて実感したこと。それは、プリントの意義です。

「作品」としての役割りもありますが、写真を教える、教わる、楽しむ、そして思い出を共有する、というように、「コミュニケーションツール」としての役目がとても大きい。これに関しては、取材を重ねるごとに感じます。

事実、プリントを作ると会話がはずみますから。