スナップ写真のプロ鈴木知子に聞く1：
モノクロ作品の撮り方と作り方

撮影の現場でシャッターを切りながら撮り方を教わるというスタイルは、プロの技を垣間見る貴重な体験だと思います。この企画は今回で8回目なのですが、多くの回でプロと参加者の写真愛好家が、実際に撮影やプリント作業を行いながら作品を作ってきました。

被写体を前にしたプロの一挙一動はとても勉強になります。シーンのどこを見て、被写体とどのように対峙するのか。カメラの設定はいつ、どのタイミングで行っているのかなどなど、プロが蓄積してきたノウハウを目の当たりにできるわけですから。

でも、今回取り上げるモノクロ写真は奥が深い世界であり、自由過ぎるジャンルでもあり、そして写真の基礎でもあります。写真文化の根底といってもよいかもしれません。

だからこそ、モノクロ写真の技術は、あらゆるジャンルの作品制作に役立つはずです。

つまり、「基礎からしっかりと覚えたい知識」というわけです。

というわけで、今回は座学のスタイルを採ってみました。前もって鈴木さんにモノクロ講義の内容を考えてもらい、それを参加者や読者に伝えるスタイルです。「モノクロ写真の教科書」ともいえる回です。

モノクロ写真は今後も取り上げることがあるかもしれませんが、写真家によって撮り方や考え方は異なってくるはずです。だからこそ、鈴木さんが解説するスタンダードなモノクロの知識が必要になるのです。

ちなみに、鈴木さんも参加者の井上さんもソニーのα7 IIIユーザーなので、解説はα7 IIIがベースになります。でも、ほかのメーカーのカメラでも大丈夫。どのカメラもモノクロで撮れるし、類似の機能が搭載されているので、カメラを片手に記事を読むと理解が深まると思います。

モノクロ写真は色がない世界。「色」という被写体のもつ大きな個性を活かすことができない表現方法です。だからこそ、色がなくても印象的なシーンや被写体選びが作品性を高めるカギとなります。

鈴木さんのモノクロ講義は、1.光と影、2.質感、3.一方向の光、4.露出補正、の4本柱で進んでいきますが、その前に大前提となる「モノクロ写真にする意味」について教えてくれました。

写真というのは、どうしても色による印象が大きくなります。被写体のもつ質感だったり、季節や時間的な違いだったり、作品を演出するためのインパクトだったり。つまり、その写真で「なにを伝えたいのか」を色に頼ることが多いということです。

「色のある世界で生きている以上、色というものが被写体の最大の個性なんです」と鈴木さんはいいます。

デジタルのモノクロ写真は、カラーで撮影してからパソコンのソフトやプリンターの機能を使ってモノクロ出力することが多いかもしれません。でもこの場合、モノクロに適したシーンや被写体であることを理解した上で撮影を行わないと、モノクロでは意味のない作品になることが多いと鈴木さんは忠告します。

ミラーレスカメラの場合は、カメラの設定で「モノクロ」などを選ぶとビューファインダー内の画像がモノクロになり、被写体や景色がモノクロで眺められるようになります。一眼レフカメラの場合は、やはり「モノクロ」に設定してから、「ライブビュー」機能で液晶モニターに映像を写すことで、モノクロでシーンが確認できます。

あらかじめモノクロで被写体に対峙することで、肉眼（カラー）では気づかないモノクロの落とし穴が見つかるというわけです。

ちなみに鈴木さんは、写真の保存形式を「RAW＋JPEG」にセットしていました。この場合、JPEGはモノクロで保存されますが、RAWはカラーの状態で保存されます。つまり、カラー写真として使ったり、必要に応じてRAW現像でモノクロ化することもできるというわけです。

ここからが、モノクロ写真撮影の核心部。まずは、4つのポイントの１つ目、「光と影」についてです。これは主に、モノクロに向いているシーンの探し方に関わってきます。

ちなみに、光とはモノクロ写真でいうところの白い部分（＝ハイライト）、影とは黒い部分（＝シャドウ）のこと。「光と影」を「白と黒」に置き換えると、モノクロ写真における意味合いがイメージしやすくなるかもしれません。

光と影がハッキリしていないシーンは、モノクロで撮影すると印象が弱くなりがちです。それは下の写真からも明らかで、「ハイライトがもっと白ければ視線が向くはず」という鈴木さんの解説どおり、もの足りない印象を受けます。

それでも、画面内にある白い部分に目が向くことは確かです。

「光と影」があるシーンで、主役に目が向くように「ハイライトを意識」した画作りをする。これが、モノクロ向きのシーンを印象的に写す第一歩といえそうです。

「光と影」でモノクロ向きのシーンが分かったら、次はどのような被写体が適しているかです。これに関しては、鈴木さんは「質感に着目する」と何度となく繰り返していました。質感とは、被写体の表面の凹凸、いわゆるテクスチャのことです。

質感のある具体的な被写体というと、上で紹介している動物や、布、金属のレリーフ、畳、植物の葉など、探せば割とあるものです。中でも鈴木さんは、鉄瓶のような微細な凹凸をもつ金属はモノクロで写すと重厚感が出しやすいと教えてくれました。

それと、鈴木さんの写真で面白いと思ったのがエスカレーターのシーン。鈴木さん曰く、金属の光沢感がモノクロの表現でより重厚になっている」とのことでした。

モノクロ写真は、カラー写真よりも光と影が浮かび上がってきます。それを活かすために、「光と影」のあるシーンを探し、凹凸などの「質感」がある被写体を選ぶと印象的に撮れるということを解説してもらいました。

そして、第３のポイントとなるのが、光の種類です。

モノクロ写真で重要な影が出るためには光が必要ですが、どんな光でもよいというわけではありません。たとえば、複数の方向から照明に照らされている被写体の場合、「光」はありますが、「影」は複数方向に薄く生じてしまいます。これでは影の印象が弱くなり、視線が向きやすいハイライトが強調できなくなります。

ちなみに、逆光や半逆光というと「太陽に向かって撮る」というイメージを抱くかもしれませんが、「手前に影が出る撮り方」と考えると、鈴木さんの解説がより分かりやすくなります。

もちろん、画面に太陽を入れた逆光のシーンもかっこいいモノクロ写真になります。でも、画面に太陽などの光源が含まれず、奥から射す光で写すだけでも立体感のあるモノクロ写真にすることができます。

光と影、つまり白と黒で表現されているモノクロ写真は、白や黒の明るさが変化すると大きく印象が変わって見えます。それをコントロールする機能が、カメラに搭載されている「露出補正」機能です。

露出補正を行うかどうか、行う場合でも明るくするか暗くするかは、自分がどのように表現したいのかで決めればいいといいます。正解がないというのは難しいかもしれませんが、軽いやさしい雰囲気にするなら少し明るく、重厚感や不穏な印象を出したいときは暗く写す、という点が目安のようです。

露出の差から得られる印象の違いを、空の写真で比較してくれました。

モノクロ写真の基本的な知識と、ポイントとなる4つの撮り方について教わりましたが、さらに作品性を高める要素として、「コントラスト」に、「フィルター効果」や「調色」機能などの活用があります。

鈴木さんはこれらについても解説していますが、プリント作成の解説も含めて後半で紹介したいと思います。（後半に続く）