■岩城 文雄「△」

よっぽどの関係でないと撮れない作品だと思う。被写体である奥さんは、撮られたくないはずの部分や無防備なところもさらけ出している。不機嫌や作者への嫌悪感を見せているものもあるし、すごく穏やかできれいなものもある。この表情のグラデーションは、そのまま二人の関係性のグラデーションなのだろうと思うし、そこが面白い。奥さんとの共作といえる作品。

おそらく夫婦の間では、普段よりも撮っているときのほうが感情の行き来があって、撮影を重ねていくうちに徐々に二人の関係も変化したのではないのだろうか、などと勝手な妄想がどんどん湧いてくる写真だ。その人が属しているジェンダーによって、写真の見え方や解釈が違ってくることはあるだろう。この写真を見ながら、そんなことを考えた。

■久保 誠「海中肖像写真」

肖像写真と言いながら、顔はほとんど見えない。しかし、水中という特殊な状況で正座するその姿形は、内面を写し出す顔よりも、はるかにその人自身の隠喩となっているように思えた。それにしても、「海中肖像写真」という発想は一体いつ、どこで生まれたのだろうか。その来歴の不明さも、大きな魅力となっている。

肖像写真として“抗っている”ところが面白い。人間が魚のように泳いでいる写真はあるが、これはそういうものではなく、人間が水中では異物であるということを示している。水中という人間が棲めない空間で肖像を撮ることで、人間らしさと向き合っているのだと思う。

■平野 良太「僕の団地と、あのマック」

異質さや珍しさを撮るという視点ではない。作者は、彼ら（被写体）に自分を重ねながら自分自身を探すような、自分自身のセルフポートレートとして撮っているような印象を受ける。
そのせいか、どことなくみんな似ているような感じがするのも、面白い。

“もしかするとあなたは私かもしれないし、私はあなたかもしれない”そんな視線で少年たちを撮影している。作者は43歳の男性だが、その柔軟な自己意識は、自己と他者の間だけでなく、過去と現在をも自由に往還する。「少年や六十年後の春の如し」という永田耕衣の俳句を思い出した。

■大塚 和也「Objects」

ステイトメントに「付喪神(つくもがみ)」とあるように、言語化できないものというか、現代の神をつくろうとしているのでは。物を断定するような撮り方ではないし、あまり見ない絵になっている。逆光で海と太陽を入れて撮る、という方法論をつくることによって、自分なりの神を立ち上らせようと試みているのだろう。

これまで見たことのない“物の写真”だと思った。異化したり、何かに見立てたり、あるいは極端に抽象化しているわけではない。しかしこの撮影には、例えば逆光で太陽を入れるなど、作者独自のルールがあるようだ。それによって、見慣れた“物”を未知のイメージへと転送することが可能になった。

■矢内 靖史「ゴブノタマシイ」

私は昆虫が苦手だが、これは写真として惹きつけられるものがあった。いわゆる昆虫写真とは違っている。
昆虫だけでなく、背景に写り込んでいる風景が語るものが極めて写真的だ。

昆虫のいる風景よりも、昆虫そのものが面白い。標本をつくろうとしているのではなく、昆虫がおどろおどろしい。まったく洗練されていないのだけれど、異様な迫力がある。タイトルのように、本当に「一寸の虫にも五分の魂」が入っている。

■阿部 祐己「Trace of Mountain」

「trace」とは「痕跡・足跡」という意味で、タイトルには、登山で道を行くことや歴史が刻まれていくことなど、複数の意味が込められているのだろう。見ていると、この場所の「trace」をいくつか見つけられる。これがどこなのかを具体的に示していないからこそ、見る側が探りつつ見ていけるのかもしれない。

白地図にいろんなことが書き込まれてきた、と示しているのではないか。その土地の過去へ遡行しようというのではなく、土地は書き込まれ記述されるものであると言っているのだと思う。今後もさらに新しく書き込まれていくだろうと。明快ではないが、面白い仕事をしていく予感を感じさせる作品だ。